Stay Signed In
Do you want to access your site more quickly on this computer? Check this box, and your username and password will be remembered for two weeks. Click logout to turn this off.
Stay Safe
Do not check this box if you are using a public computer. You don't want anyone seeing your personal info or messing with your site.
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci (1452-1519) was an Italian painter, sculptor, architect, engineer, and scientist. He was one of the greatest minds of the Italian Renaissance, and his influence on the painting of the following generations was enormous.
Leonardo da Vinci was born on April 15, 1452, near the village of Vinci about 25 miles west of Florence. He was the illegitimate son of Ser Piero da Vinci, a prominent notary of Florence, who had no other children until much later. Ser Piero raised his son himself, a common practice at the time, arranging for Leonardo's mother to marry a villager. When Leonardo was 15, his father apprenticed him to Andrea del Verrocchio, the leading artist of Florence and a characteristic talent of the early Renaissance.
Verrocchio, a sculptor, painter, and goldsmith, was a remarkable craftsman, and his great skill and passionate concern for quality of execution, as well as his interest in expressing the vital mobility of the human figure, were important elements in Leonardo's artistic formation. Indeed, much in Leonardo's approach to art was evolutionary from tradition rather than revolutionary against it, although the opposite is often true of his results.
Assistant in Verrocchio's Workshop
After completing his apprenticeship, Leonardo stayed on as an assistant in Verrocchio's shop, and his earliest known painting is a product of his collaboration with the master. In Verrocchio's Baptism of Christ (ca. 1475), Leonardo executed one of the two angels, a fact already recorded in the 16th century, as well as the distant landscape, and he added the final touches to the figure of Christ, determining the texture of the flesh. Collaboration on a major project by a master and his assistant was standard procedure in the Italian Renaissance. What is special is that Leonardo's work is not, as was usual, a slightly less skilled version of Verrocchio's manner of painting but an original approach altering it. It completely possesses all the fundamental qualities of Leonardo's mature style and implies a criticism of the early Renaissance. By changing hard metallic surface effects to soft yielding ones, making edges less cutting, and increasing the slight modulations of light and shade, Leonardo evoked a new flexibility within the figures. This "soft union," as Giorgio Vasari called it (1550), is also present in the special lighting and is emphatically developed in the spiral turn of the angel's head and body and the vast depth of the landscape.
Apparently Leonardo had painted one extant work, the Annunciation in Florence, before this. It is much nearer to Verrocchio in the stability of the two figures shown in profile, the clean precision of the decorative details, and the large simple shapes of the trees, but it already differs in the creamier modeling of the faces. A little later is Leonardo's portrait of Ginevra de' Benci, the young wife of a prominent Florentine merchant, in which her oily face with softly contoured lips is seen against a background of mysteriously dark trees and a pond.
Independent Master in Florence
About 1478 Leonardo set up his own studio. In 1481 he received a major church commission for an altarpiece, the Adoration of the Magi. In this unfinished painting, Leonardo's new approach is far more developed. A crowd of spectators, with odd and varied faces, flutters around and peers at the main group of the Virgin and Child, and there is a strong sense of continuing movement. In the background the three horses of the kings prance among intricate architectural ruins. However, the painting also illustrates Leonardo's strong sense of the need for a countervailing order: he placed in the center of the composition the Virgin and Child, who traditionally in paintings of this theme had appeared at one side of the picture, approached by the kings from the other side. Similarly, the picturesque ruins are rendered in sharp perspective.
The simultaneous increase in both the level of activity and the organized system which controls it will climax later in Leonardo's Last Supper, and it shows us his basically scientific temperament - one concerned with not only adding to the quantity of accurate observations of nature but also subjecting these observations to newly inferred physical or mathematical laws. In their paintings earlier Renaissance artists had applied the rules of linear perspective, by which objects appear smaller in proportion as they are farther away from the eye of the spectator. Leonardo joined this principle to two others: perspective of clarity (distant objects progressively lose their separateness and hence are not drawn with outlines) and perspective of color (distant objects progressively tend to a uniform gray tone). He wrote about both of these phenomena in his notebooks.
The Adoration of the Magi was, as noted above, left unfinished. In his later career Leonardo often failed over a period of years to finish a work, essentially because he would not accept established answers. For example, in his project for a bronze equestrian statue he began his work by delving into such matters as the anatomy of horses and the method by which the heavy monument could be transported from his studio to its permanent location. In the case of the Magi altarpiece, however, the unfinished state may merely result from the fact that Leonardo left Florence in 1482 to accept the post of court artist to the Duke of Milan. In leaving, Leonardo followed a trend set by the leading Florentine masters of the older generation, Verrocchio and Antonio Pollaiuolo, who went to Venice and Rome to execute commissions larger than any available in their native Florence.
Milan (1482-1499)
Leonardo presented himself to the Duke of Milan as skilled in many crafts, but particularly in military engineering, asserting that he had worked out improved methods for shooting catapults and diverting rivers. Such inventions, as well as the remarkable machinery that Leonardo produced in Milan for stage pageants, point to his profound interest in the laws of motion and propulsion, a further aspect of his interest in living things and their workings. Again, this preoccupation differs from older artists only in degree.
Leonardo's first Milanese painting is the altarpiece Virgin of the Rocks. It exists in two versions: the one in Paris is earlier and was executed by Leonardo; the one in London is later, and there is controversy as to whether Leonardo participated in its execution. A religious brotherhood in Milan commissioned an altarpiece from Leonardo in 1483, and it is also a matter of argument as to which version is the one commissioned. Some scholars believe that it is the London work and that the Paris version was painted while Leonardo was still in Florence. But this view requires some remarkable coincidences, and the more usual opinion is that the picture in Paris is the original one executed for the Milanese commission and that it was taken away by Leonardo's admirer the king of France and replaced in Milan by the second painting.
Although the Virgin of the Rocks is a very original painting, it makes use of a venerable tradition in which the Holy Family is shown in a cave. This setting becomes a vehicle for Leonardo's interests in depicting nature and in dimmed light, which fuses the outlines of separate objects. The artist once commented that one should practice drawing at dusk and in courtyards with walls painted black. The figures in the painting are grouped in a pyramid.
The other surviving painting of Leonardo's Milanese years is the Last Supper (1495-1497), commissioned by the duke for the refectory of the convent of S. Maria delle Grazie. Instead of using fresco, the traditional medium for this theme, Leonardo experimented with an oil-based medium, because painting in true fresco makes areas of color appear quite distinct. Unfortunately, his experiment was unsuccessful; the paint did not adhere well to the wall, and within 50 years the scene was reduced to a confused series of spots. What we see today is largely a later reconstruction, but the design is reliable and remarkable. The scene seems at first to be one of tumultuous activity, in response to the dramatic stimulus of Christ's words "One of you will betray me," which is a contrast to the traditional static row of figures. But the 12 disciples form four equal clusters around Christ, isolated as a fifth unit in the middle. Thus, Leonardo once again enriches the empirical observation of vital activity but simultaneously develops a containing formula and emphasizes the center. This blend of the immediate reality of the situation and the underlying order of the composition is perhaps the reason the painting has always been extraordinarily popular and has remained the standard image of the subject.
In its own time, the Last Supper was perhaps less well known than the project for a bronze equestrian statue of the previous Duke of Milan, on which Leonardo worked during most of his Milanese years. He wanted to show the horse leaping, a technical problem of balance in sculpture that was solved only in the 17th century. Numerous drawings of the project exist.
Besides apparatus for pageants and artillery, architectural projects also occupied Leonardo in Milan. He and the great architect Donato Bramante, also a recent arrival at the court, clearly had a mutually stimulating effect, and it is hard to attribute certain innovative ideas to one of them rather than the other. The architectural drawings of Leonardo, very similar to the buildings of Bramante, mark the shift from the early Renaissance to the High Renaissance in architecture and show a new interest in and command of scale and grandeur within the basic harmonious geometry of Renaissance structure. No buildings can be attributed with certainty to Leonardo.
When Leonardo's patron was overthrown by the French invasion in 1499, Leonardo left Milan. He visited Venice briefly, where the Senate consulted him on military projects, and Mantua. He planned a portrait of Isabella d'Este, Duchess of Mantua, one of the most striking personalities and great art patrons of the age. The surviving drawing for this portrait suggests that the concept of the later Mona Lisa had already been formulated.
Florence (1500-1506)
In 1500 Leonardo returned to Florence, where he was received as a great man. Florentine painters of the generation immediately following Leonardo were excited by his modern methods, with which they were familiar through the unfinished Adoration of the Magi, and he also now had a powerful effect on a still younger group of artists. Thus it was that a younger master passed on to Leonardo his own commission for the Virgin and Child with St. Anne, and the monks who had ordered it gave Leonardo a workroom. Leonardo's large preparatory drawing was inspected by crowds of viewers. This theme had traditionally been presented in a rather diagrammatic fashion to illustrate the family tree of Christ; sometimes this was done by representing Anne, the grandmother, in large scale with her daughter Mary on her knee and with Mary in turn holding the Christ Child. Leonardo sought to retain a reference to this conceptual pattern while drawing sinuous, smiling figures in a fluid organic interrelationship. Several varying designs exist, the last version being the painting of about 1510 in Paris; this variety suggests that Leonardo could not fuse the two qualities he desired: an abstract formula and the immediacy of life.
During his years in Florence (1500-1506), even though they were interrupted in 1502 by a term as military engineer for Cesare Borgia, Leonardo completed more projects than in any other period of his life. In his works of these years, the emphasis is almost exclusively on portraying human vitality, as in the Leda and the Swan (lost; known only through copies), a spiraling figure kneeling among reeds, and the Mona Lisa, the portrait of a Florentine citizen's young third wife, whose smile is mysterious because it is in the process of either appearing or disappearing.
Leonardo's great project (begun 1503) was the battle scene that the city commissioned to adorn the newly built Council Hall of the Palazzo Vecchio. In the choice of theme, the Battle of Anghiari, patriotic references and the wish to show off Leonardo's special skills were both apparently required. Leonardo depicted a cavalry battle - a small skirmish won by Florentine troops - in which horsemen leap at each other, churning up dust, in quick interlocking motion. The work today is known through some rapid rough sketches of the groups of horsemen, careful drawings of single heads of men which are extraordinarily vivid in suggesting immediate response to a stimulus, and copies of the entire composition. Leonardo began to paint the scene, experimenting with encaustic technique (the paint is fused into hot wax on the surface of the panel), but he was called back to Milan before the work was completed. A short time thereafter, the room was remodeled and the fragment was destroyed.
Both the Battle of Anghiari and the Mona Lisa contain their animation in neatly balanced designs. In the battle scene, the enemies are locked in tense symmetry; in the portrait, the crossed arms form the base of a pyramid capped by the head, which gives the lady her quality of classic rightness and prevents the less than full-length portrait from seeming incomplete and arbitrarily amputated at the lower edge.
Milan (1506-1513)
Called to Milan in 1506 by the French governor in charge, Leonardo worked on an equestrian statue project, but he produced no new paintings. Instead he now turned more and more to scientific observation. Most of his scientific concerns were fairly direct extensions of his interests as a painter, and his research in anatomy was the most fully developed. Verrocchio and other early Renaissance painters had attempted to render the human anatomy with accuracy, but Leonardo went far beyond any of them, producing the earliest anatomical drawings which are still considered valid today, although he occasionally confused animal and human anatomy and accepted some old wives' tales.
The notebooks Leonardo was now filling with data and drawings, later piously arranged by his heirs, and the visual intensity that was always his starting point reveal his other scientific interests also: firearms, the action of water, the flight of birds (leading to designs for human flight), the growth of plants, and geology. Leonardo's interests were not universal: theology, history, and literature moved him little. All his interests had in common a concern with the processes of action, movement, pressure, and growth; it has been rightly said that his drawings of the human body are less anatomical than physiological.
Last Years
In 1513 Leonardo went to Rome, where he remained until 1516. He was much honored, but he was relatively inactive and remarkably aloof from its rich social and artistic life. He continued to fill his notebooks with scientific entries.
The French king, Francis I, invited Leonardo to his court at Fontainebleau, gave him the title of first painter, architect, and mechanic to the king, and provided him with a country house at Cloux. Leonardo was revered for his knowledge more than for any work he produced in France. He died on May 2, 1519, at Cloux.
His Influence
Leonardo's influence on younger artists was enormous; it is often said to have first affected his teacher, Verrocchio. By the time Leonardo left Florence in 1482, he had already begun to influence the city's most talented younger painter, Filippino Lippi, only 5 years his junior. During the 1490s Filippino and Piero di Cosimo, another admirer of Leonardo, were the leading painters in Florence. In Milan, Leonardo overwhelmingly dominated a rather weak generation of artists, who were soon turning out smiling Madonnas in imitation of his style.
Leonardo's greatest impact came in Florence just after his return in 1500, when young artists already conditioned by the master's early work were able to absorb and transmit his message rather than merely copy the superficial aspects of his style. Fra Bartolommeo soon reflected this new approach, as did Andrea del Sarto shortly afterward.
On a subtle and more significant level, Leonardo at this time transformed the two greatest young artists to come in contact with him. Raphael came to Florence in 1504 at the age of 21, eager to increase his knowledge of perspective and anatomy, and he quickly revealed Leonardo's influence in his portraits and Madonnas; his results were less intellectual, psychological, and energetic and more coolly formal, but with Leonardo's vitality. About 1503 Michelangelo changed from a sculptor of merely grand scale to one whose figures are charged with energy. This may be seen in the contrast between Michelangelo's David and St. Matthew.
From this time on Leonardo influenced, directly or indirectly, all painting, as Vasari implies. His influence on science was much less, although his drawings may have been known to the anatomist Andreas Vesalius and had an effect on his great publication of 1543. However, most of Leonardo's scientific observations remained unknown until the same questions were again investigated in later centuries.
Further Reading
Jean Paul Richter edited The Literary Works of Leonardo da Vinci (2 vols., 1883; 2d rev. ed. 1939). Two excellent books are Kenneth Clark, Leonardo da Vinci: An Account of His Development as an Artist (1939; rev. ed. 1967), which is relatively brief and emphasizes Leonardo's work as a painter, and Ludwig H. Heydenreich, Leonardo da Vinci (trans. 1954), which is more detailed and concerned with the definition of his personality. A collection of essays which shows all sides of Leonardo's genius is C. D. O'Malley, ed., Leonardo's Legacy: An International Symposium (1969). An illuminating collection of articles is Morris Philipson, ed., Leonardo da Vinci: Aspects of the Renaissance Genius (1966). Leonardo's scientific work is emphasized in Ivor Blashka Hart, The World of Leonardo da Vinci: Man of Science, Engineer and Dreamer of Flight (1962), and Richard B. McLanathan, Images of the Universe: Leonardo da Vinci, the Artist as Scientist (1966). A fine specialized study is Arthur E. Popham, ed., The Drawings of Leonardo da Vinci (1945).
أرنستو تشي جيفارا دي لا سيرنا (14 مايو1928 الى9 أكتوبر1967) المشهور بتشي جيفارا هو ثوري كوبي أرجينتيني المولد، كان رفيق فيديل كاسترو. يعتبر شخصية ثورية فذّة في نظر الكثيرين. وهو شخصية يسارية محبوبة.
درس الطب في جامعة بوينيس ايريس وتخرج عام 1953، وكانت رئتيه مصابة بالربو , ولم يلتحق بالتجنيد العسكري بسبب ذلك قام بجولة حول امريكا الجنوبية مع احد اصدقائه على متن دراجة نارية وهو في السنة الأخيرة من الطب و كونت نلك الرحلة شخصيته واحساسه بوحده اميركا الجنوبيه واحساسه بالظلم الكبير من الدول الإمبريالية للمزارع البسيط الاميريكي . توجه بعدها إلى غواتيمالا ، حيث كان رئيسها يقود حكومة يسارية شعبية ، كانت من خلال تعديلات ، وعلى وجه الخصوص تعديلات في شؤون الارض والزراعة ، تتجه نحو ثورية إشتراكية. وكانت الإطاحة بالحكومة الغواتيمالية عام 1954 بانقلاب عسكري مدعوم من قبل وكالة الإستخبارات الأمريكية ، قد تركت لدى جيفارا رؤية للولايات المتحدة بصفتها الدولة الإمبريالية المضطهدة لدول أمريكا الجنوبية التي تسعى لتبني النظام الإقتصادي الإشتراكي.
قتل جيفارا في بوليفيا أثناء محاولة لتنظيم ثورة على الحكومة هناك، وتمت عملية القبض عليه بالتنسيق مع المخابرات الأمريكية حيث قامت القوات البوليفية بقتله. وقد شبّت أزمة بعد عملية اغتياله وسميت بأزمة "كلمات جيفارا" أي مذكراته. وقد تم نشر هذه المذكرات بعد اغتياله بخمس اعوام وصار جيفارا رمز من رموز الثوار على الظلم.
من مقولاته
•إنني أحس على وجهي بألم كل صفعة تُوجّه إلى مظلوم في هذه الدنيا، فأينما وجد الظلم فذاك هو وطني.
•الثورة قوية كالفولاذ، حمراء كالجمر، باقية كالسنديان، عميقة كحبنا الوحشي للوطن..
•لا يهمني اين و متى ساموت بقدر ما يهمني ان يبقى الثوار يملئون العالم ضجيجا كي لا ينام العالم بثقله على أجساد الفقراء.
•ان الطريق مظلم و حالك فاذالم تحترق انت وانا فمن سينير الطريق.
•لن يكون لدينا ما نحيا من أجله .. إن لم نكن على استعداد أن نموت من أجله.
نشر فليكس رودريجيس، العميل السابق لجهاز المخابرات الأميركية (CIA) هذه الصور عن إعدام تشي جيفارا. وتمثل هذه الصور آخر لحظات حياة هذا الثوري الأرجنتيني قبل إعدامه بالرصاص ب"لا هيغويرا" في غابة "فالي غراندي" ببوليفيا، في 9 أكتوبر(تشرين الأول) من عام 1967. وتظهر الصور كيفية أسر تشي جيفارا، واستلقائه على الأرض، وعيناه شبه المغلقتان ووجهه المورم والأرض الملطخة بدمه بعد إعدامه. كما تنهي الصور كل الإشاعات حول مقتل تشي جيفارا أثناء معارك طاحنة مع الجيش البوليفي. وقبيل عدة شهور، كشف السيد فليكس رودريجيس النقاب عن أن أيدي تشي جيفارا بُترت من أجل التعرٌف على بصمات أيديه.
أديب و ناقد وروائي مصري كبير لقّب بعميد الأدب العربي وقد بلغت شهرته الآفاق لأن طه حسين فقد البصر فيما كان عمره 3 سنة ومع ذلك استطاع أن يؤلف مئات الكتب ويقدم للأدب العربي المناهج والدروس والمدارس التي سار عليها الكثيرون بعده .. وبالرغم من فقدانه لبصره في سن مبكرة إلا أنه واصل تعليمه إلى أن حصل على الدكتوراه وبلغ من المواصل ما بلغ حيث عيّن عميداً لكلّية الآداب، جامعة القاهرة، رئيس مؤقّت لجامعة فاروق الأول، وهو أول مدير لجامعة رية ، قرّر مجانية التعليم الثانوي في مصر ، أنشأ جامعة عين شمس ، وكان عضواً بالمجمع اللغوي ورئيسه منذ 1963م حتى وفاته ، وهو مدير دار الكاتب المصري ، كان عضواً في المجلس الأعلى للفنون والآداب والعلوم الاجتماعية ومقرّر للجنة الترجمة به منذ انشائه.
كان طه حسين داعياً قوياً إلى التجديد وذو إحساس وطني مرهف ، عاشقاً لمصــر ومدركاً لانتمائه للأمة العربية ، ومقدّراً لانتماء البشر جميعاً للإنسانية ، وعاش معلماً ومحاضراً ويكتب النقد والوصف والتراجم والأدب والمقالة والقصة وهو صاحب مدرسة ومنهج في النقد خاصة ، وفي أدبه نوافذ على الآداب العالمية وخاصة اليوناني والفرنسي وفي نفس الوقت هو بعيد التأثر بهما .
نال طه حسين الدكتوراه الفخرية في كثير من البلاد الأجنبية منها فرنسا وإسبانيا وإيطاليا وأوسمة من لبنان وتونس والمغرب. ومن مصر منح قلادة النيل التي لا تمنح إلاّ لرؤساء الدول ، وكان قد حصل على أول جائزة تقديرية في الأدب ومنح جائزة الدولة عن كتابه : على هامش السيرة، وجائزة الآداب، وكان أول من منح جائزة الدولة التقديرية في الآداب، كما منح أيضاً وسام «ليجيون دونير Légion d'honneur» من فرنسا ومنح من هيئة الأمم المتحدة جائزة حقوق الإنسان وتلقاها قبل وفاته بيوم واحد.
قام بجمع المخطوطات المصرية من مختلف نواحي العالم وفي إدارة خاصة في الجامعة ونشر عدد من هذه المخطوطات نشراً علمياً كما مهّد لقيام المنظّمة العربية للتربية والعلوم والثقافة ، وعند قيام هذه المنظّمة أنهى عمله بالجامعة العربية.
مولده ونشأته :
ولد الأديب العربي الكبير طه حسين فى الرابع عشر من شهر نوفمبر عام 1889 ، وعاش طفولته المبكرة في تلك البقعة الصغيرة التي تقع على بعد كيلو متر واحد من مغاغة بمحافظة المنيا في وسط صعيد مصر ( عزبة الكيلو ) وكان طه حسين قد فقد بصره وعمره ثلاثة سنوات وكانت هذه العاهة هى السبب فى الكشف مبكرا عن ملكات طه حسين ، فقد استطاع تكوين صورة حية فى مخيلته عن كل فرد من افراد عائلته اعتمادا على حركة وصوت كل منهم ، بل كانت السبب المباشر فى الكشف عن عزيمته بعد ان قرر التغلب على عاهته بإطلاق العنان لخياله الى آفاق بعيدة قد لا يبلغها المبصرين .
كان والده حسين علي موظفاً في شركة السكر وانجب ثلاثة عشر ولداً كان سابعهم في الترتيب "طه" الذي اصابه رمد فعالجه الحلاق علاجاً ذهب بعينيه (كما يقول هو عن نفسه في كتاب "الايام") فكان طه حسين قد فقد بصره بسبب ( الجهل والتخلف ) فكانت كلمات صديق والده بعد ذلك بأن طه لا يصلح إلاّ ان يكون مقرئا للقرآن عند المقابر ويتصدق عليه الناس، جعلته يصاب بصدمة عنيفة، ويشعر بألم دفين داخله، ربما هذا ما رسب ما يمكن تسميته الاكتئاب. فقد كان طفلاً انطوائياً، لا يتكلم مع أحد ولا يشاطر أحداً اللعب. كان دائماً جاداً، حفظ القرآن الكريم وهو ابن سبع سنوات، واصر على ان يحضر الدروس التي تلقى في القرية، حتى برز بين أقرانه من المبصرين بحفظه وادراكه لما يلقى عليهم من دروس.
انصرف في طفولته المبكرة إلى الاستماع إلى القصص والأحاديث وانضم إلى رفاق أبيه في ندوة العصر في فناء البيت يستمع إلى آيات القرآن وقصص الغزوات والفتوح وأخبار عنتر والظاهر بيبرس وأخبار الأنبياء والنسّاك الصالحين ويحفظ القرآن في كتّاب القرية ومن ثم أتقن التجويد فنشأ على خلفية واضحة وجلية وثقافة كبيرة ومتميزة في التاريخ العربي الإسلامي القديم وبين يديه القرآن الكريم الذي أتم حفظه كاملاً قبل أن يكمل عشر سنوات من عمره !
الالتحاق بجامعة الأزهر :
بدأت رحلته الكبرى عندما غادر القاهرة متوجها الى الازهر طلباً للعلم وهو في قرابة الرابعة عشر من عمره ، وفي عام 1908 بدأت ملامح شخصية طه حسين المتمردة في الظهور حيث بدأ يتبرم بمحاضرات معظم شيوخ الازهر الاتباعيين فاقتصر على حضور بعضها فقط مثل درس الشيخ بخيت ودروس الادب ولذلك لم يقتصر اهتمامه على تعليم الأزهر وحسب فقد اتجه للأدب فحفظ مقالات الحريري وطائفة من خطب الإمام ومقامات بديع الزمان الهمزاني واتفق هو والشيخ المرصفي في بغضهما لشيوخ الأزهر وحبّهما الراسخ لحرية خالصة وأخذ عن المرصفي حبه للنقد وحريته.
كوّن هو وصاحبيه أحمد حسن الزيات ومحمود الزناتي جماعة ذاع نقدها للأزهر وفضّلوا الكتب القديمة على الكتب الأزهرية ويقرأون دواوين الشعر وتتلمذ حينها على يد الإمام محمد عبده الذي علمه التمرد على طرائق الاتباعيين من مشايخ الأزهر إلى أن انتهى به الحال إلى وداع الأزهر ليبدأ مرحلة أخرى من حياته فقد تم طرده من الأزهر بسبب كثرة انتقاداته ولم يعد إليها إلاّ بواسطة من أحد كبار الشيوخ !
دخول الجامعة المصرية :
في العام ذاته فتحت الجامعة المصرية أبوابها ، فترك الأزهر والتحق بها وسمع دروس احمد زكي (باشا) في الحضارة الاسلامية واحمد كمال (باشا) في الحضارة المصرية القديمة ودروس الجغرافيا والتاريخ واللغات السامية والفلك والادب والفلسفة على يدأساتذة مصريين وأجانب فكان دخوله للجامعة المصرية بداية مرحلة جديدة في تلقي العلوم وتثقيف النفس وتوضيح الرؤية وتحديد الهدف !
انتهى طه حسين فى هذه الفترة من اعداد رسالته للحصول على درجة الدكتوراه ( وكانت عن أبي العلاء ) ، ونوقشت الرسالة فى الخامس عشر من شهر مايو 1914 ليحصل بها على أول درجة دكتوراه تمنحها الجامعة المصرية لأحد طلابها والتى احدثت عند طبعها فى كتاب ضجة هائلة ومواقف متعارضة وصلت إلى حد مطالبة أحد النواب فى البرلمان بحرمان طه حسين من درجته الجامعية لأنه ألف كتابا فيه الكثير من علامات التنوير فقالوا أن ما فيه كان ( الإلحاد والكفر ) علماً بأنه كان أول كتاب قدم الى الجامعة المصرية واول رسالة دكتوراه منحتها الجامعة المصرية لأحد طلابها .
لم يكتف طه حسين حينذاك بتدخل سعد زغلول رئيس الجمعية التشريعية بالبرلمان آنذاك لاقناع هذا النائب بالعدول عن مطالبه بل رد على خصومه وقتها بقوة وبشجاعة في أن كل ما كتبوه عنــه لم يجد فيه شيئا يستحق الرد عليه كما وصفهم حينها بانهم يلجأون إلى طرق معوجة فى الفهم ومناهج قديمــة فى التفكير !!
دفعه طموحه واجتهاده لاتمام دراساته العليا في باريس ، وبالرغم من اعتراضات مجلس البعثات الكثيرة ، الا انه اعاد تقديم طلبه ثلاث مرات ، ونجح في نهاية المطاف في الحصول على الموافقة ليرحل نحو تحقيق حلم جديد هو الحصول على الدكتوراه من فرنسا ( بلاد الخواجات ) .
رحلته إلى باريس :
اذا كانت الرحلة الاولى ذات الاثر العميق في حياة طه حسين وفكره وهي انتقاله من قريته المنسية في صعيد مصر الى القاهرة ... فإن الرحلة الاخرى الاكثر تأثيراً وكانت الى فرنسا في عام 1914 حيث التحق هناك بجامعة ( مونبلييه ) لكي يبعد عن باريس أحد ميادين الحرب العالمية الاولى في ذلك الوقت ... وهناك في مونبلييه درس اللغة الفرنسية وعلم النفس والادب والتاريخ ولأسباب مالية أعادت الجامعة المصرية مبعوثيها في العام التالي 1915 ولكن في نهاية العام عاد طه حسين الى بعثته ولكن الى باريس هذه المرة حيث التحق بكلية الاداب بجامعة باريس وتلقى دروسه في التاريخ ثم في الاجتماع حيث أعد رسالة اخرى على يد عالم الاجتماع الشهير "اميل دوركايم" وكانت عن موضوع "الفلسفة الاجتماعية عند ابن خلدون" حيث اكملها مع "بوجليه" بعد وفاة دوركايم وناقشها وحصل بها على درجة الدكتوراه في عام 1919م ثم حصل في العام ذاته على دبلوم الدراسات العليا في اللغة اللاتينية .
قصته مع سوزان شريكة حياته :
تعرف الدكتور طه حسين على السيدة سوزان عندما كانت تقرأ مقطعا من شعر رايسين فأحب نغمات صوتها وعشق طريقة إلقائها وتعلق قلبه بهذا الطائر الأجنبي الذى حط فى في أعشاش قلبه الحزينة متذكرا قول بشار بن برد والاذن تعشق قبل العين أحيانا ..
لقد كان حب عميد الأدب العربى لهذه الفتاة الفرنسية بمثابة التزاوج الروحى بين ضفتى المتوسط ومحاكاة حضارة الشرق مع الغرب ، كما أشار إلى هذا الحب الكاتب الفرنسى الكبير روبيرت لاندرى حيث قال وذات يوم بينما طه حسين فى مقعده فى قاعة المحاضرات فى جامعة السوربون سمع صوتا جميلا يرن فى اذنيه صوت صبيه حنون تقول له بعذوبة : إنى أستطيع أن أساعدك فى استذكار الدروس، وكانت صاحبة الصوت ما هي إلا ( سوزان ) الطالبة الفرنسية المنحدرة من عائلة كاثوليكية وقد ظلت مترددة فترة طويلة قبل ان توافق على الزواج من طه حسين الرجل المسلم، وذلك بعد ان استطاع أحد أعمامها أن يقنعها وكان ذلك العم قسيسا وقد قال لها : مع هذا الرجل يمكن ان تثقى بانه سيظل معك إلى الأبد وسوف تسعدى ابدا « فتزوجته فى التاسع من اغسطس1917 وفعلاً ربما تعيش المراة مع رجل أعمى أحبها بقلبه قبل أن يراها بعينيه أجمل واسعد أيامها بدلاً من أن تتزوج رجل لديه عينين يرى بهما كل نساء الدنيا فيهفو قلبه لتلك وتتعلق روحه بأخرى .. فكيف وهي تتزوج من دكتور وأديب ورجل لديه الإصرار على قهر الإعاقة التي ولدت لتكون سبباً في دخوله التاريخ الأدبي من أوسع أبوابه !
ولان السيدة سوزان كان لها الأثر العظيم فى حياته بعد ذلك ، فقد قال الدكتور طه حسين عن يوم لقائه بها ( كأنه تلك الشمس التى اقبلت فى ذلك اليوم من ايام الربيع فجلت عن المدينة ما كان قد اطبق عليها من ذلك السحاب الذى كان بعضه يركب بعضا والذى كان يعصف ويقصف حتى ملأ المدينة أو كاد يملؤها اشفاقا وروعا واذ المدينة تصبح كلها اشراقا ونوراً ) .
هذا الشاب الذي جاء من قريته فقيراً، كان يتناثر الأكل على ملابسه عندما يأكل، وكان هندامه يعرف كيف يعتني به، فجاءت سوزان التي غيرت حياته كاملة، وأصبح ممتناً لها، حتى عندما كانت نائمة أشار إليها وقال لابنته : إن هذه المرأة جعلت من أبيك إنسانا آخر!
وتقول سوزان في كتابها بأن طه حسين كان يعاني من نوبات كآبة، فعندما تأتي هذه النوبات، ينعزل ولا يقابل أحداً، ولا يتكلم ولا يأكل، وكانت زوجته تعرف بحكم معرفتها من بلدها بأن هذا يسمى اكتئاباً، لكنها خشيت من طه ان يعالج من هذا الاكتئاب حتى لا تجرحه، حيث كان شديد الحساسية بسبب اعاقته البصرية، فلم ترد ان تزيد الأمر عليه. كانت تقول بأن نوبات الاكتئاب، أو كما كانت تسميها بأنه سيقط في بئر عميق لا يستطيع أحداً الوصول إليه.. إذا يتعزل العالم، ولا يعود يرغب في أي شيء مهما كان، حتى أبنائه رغم حبه الجارف لهم كان يتجنبهم ويعيش عزلة تامة، منقطعاً عن كل ما حوله. وتقول زوجته بأن لو كان هناك شيء يساعده على ان يتخلص من هذه النوبات فلا شك بأن إنتاجه سوف يكون أفضل وأكثر !
عودته إلى مصر والأزمات في انتظاره :
في عام 1919 عاد طه حسين الى مصر فعين استاذاً للتاريخ اليوناني والروماني واستمر كذلك حتى عام 1925 حيث تحولت الجامعة المصرية في ذلك العام الى جامعة حكومية وعين طه حسين استاذا لتاريخ الأدب العربى بكلية الآداب .
رغم تمرده على الكثير من آراء أساتذته الا ان معركة طه حسين الاولى والكبرى من اجل التنوير واحترام العقل تفجرت في عام 1926 عندما اصدر كتابه "في الشعر الجاهلي" الذي احدث ضجة هائلة بدأت سياسية قبل ان تكون ادبية ، كما رفعت دعوى قضائية ضد طه حسين فأمرت النيابة بسحب الكتاب من منافذ البيع واوقفت توزيعه... ونشبت معارك حامية الوطيس على صفحات الصحف بين مؤيدين ومعارضين لهذا الكتاب.
وفي عام 1928 وقبل ان تهدأ ضجة كتاب الشعر الجاهلي بشكل نهائي تفجرت الضجة الثانية بتعيينه عميداً لكلية الآداب الامر الذي اثار ازمة سياسية اخرى انتهت بالاتفاق مع طه حسين على الاستقالة فاشترط ان يعين اولاً .. وبالفعل عين ليوم واحد ثم قدم الاستقالة في المساء وأعيد "ميشو" الفرنسي عميداً لكلية الآداب، ولكن مع انتهاء عمادة ميشو عام 1930 اختارت الكلية طه حسين عميداً لها ووافق على ذلك وزير المعارف الذي لم يستمر في منصبه سوى يومين بعد هذه الموافقة وطلب منه الاستقالة.
وفي عام 1932 حدثت الازمة الكبرى في مجرى حياة طه حسين... ففي شباط 1932 كانت الحكومة ترغب في منح الدكتوراه الفخرية من كلية الآداب لبعض السياسيين... فرفض طه حسين حفاظاً على مكانة الدرجة العلمية، مما اضطر الحكومة الى اللجوء لكلية الحقوق ...
ورداً على ذلك قرر وزير المعارف نقل طه حسين الى ديوان الوزارة فرفض العمل وتابع الحملة في الصحف والجامعة كما رفض تسوية الازمة الا بعد اعادته الى عمله وتدخل رئيس الوزراء فأحاله الى التقاعد في 29 آذار 1932 فلزم بيته ومارس الكتابة في بعض الصحف الى ان اشترى امتياز جريدة "الوادي" وتولى الاشراف على تحريرها، ثم عاد الى الجامعة في نهاية عام 1934 وبعدها بعامين عاد عميداً لكلية الاداب واستمر حتى عام 1939 عندما انتدب مراقباً للثقافة في وزارة المعارف حتى عام .1942
ولأن حياته الوظيفية كانت دائماً جزءاً من الحياة السياسية في مصر صعوداً وهبوطاً فقد كان تسلم حزب الوفد للحكم في 4 شباط 1942 ايذاناً بتغير آخر في حياته الوظيفية حيث انتدبه نجيب الهلالي وزير المعارف آنذاك مستشاراً فنياً له ثم مديراً لجامعة الاسكندرية حتى احيل على التقاعد في 16 تشرين الاول 1944 واستمر كذلك حتى 13 حزيران 1950 عندما عين لاول مرة وزيراً للمعارف في الحكومة الوفدية التي استمرت حتى 26 حزيران 1952 وهو يوم احراق القاهرة حيث تم حل الحكومة.
وكانت تلك آخر المهام الحكومية التي تولاها طه حسين حيث انصرف بعد ذلك وحتى وفاته الى الانتاج الفكري والنشاط في العديد من المجامع العلمية التي كان عضواً بها داخل مصر وخارجها ، وظل طه حسين على جذريته بعد أن انصرف إلى الإنتاج الفكري, وظل يكتب في عهد الثورة المصرية, إلى أن توفي عبد الناصر, وقامت حرب أكتوبر التي توفي بعد قيامها في 28 أكتوبر من عام 1973 .
رائعة الايام :
إن تحفة (الأيام) التي صاغ فصولها كتابة وحقيقة الدكتور طه حسين لها أثر إبداعي من آثار العواصف التي أثارها كتابه (في الشعر الجاهلي), فقد بدأ في كتابتها بعد حوالي عام من بداية العاصفة, كما لو كان يستعين على الحاضر بالماضي الذي يدفع إلى المستقبل ، ويبدو أن حدة الهجوم عليه دفعته إلى استبطان حياة الصبا القاسية, ووضعها موضع المساءلة, ليستمد من معجزته الخاصة التي قاوم بها العمى والجهل في الماضي القدرة على مواجهة عواصف الحاضر.
وقد نشر عميد الأدب العربي طه حسين الجزء الاول من الايام في مقالات متتالية في اعداد الهلال عام 1926 ، وهو يُعد من نتاج ذات المرحلة التي كتب خلالها ( في الشعر الجاهلي ) وتميزت هذه الفترة من حياة الاديب الكبير - رحمه الله - بسخطه الواضح على تقاليد مجتمعه وعادات أبناء وطنه فكان إنتاج الايام سيرة ذاتية تعبر عن سخط كاتبها بواقعه الاجتماعي ، خاصة بعد ان عرف الحياة في مجتمع غربي متطور بينما كان انتماء طه حسين للريف المصري، وكان لمروره بحياة قاسية في وسط تسوده الخرافة والأساطير والتقاليد والتي كانت سببا في إفقاده بصره، بالإضافة إلى سلطة المؤسسات التقليدية (الكتاب، الأزهر)، فكانت كل هذه العوامل ولدت في نفسه شعورا بالمرارة وإحساسا عميقا بالتخلف وإصراراً أكبر على الدعوة إلى التجديد والتطوير وعدم التقليد والاتباع الخاطىء الذي لا يوجد إلا في عقول وقلوب الضعفاء والجهلة من الناس !
ويقول أحد الكتاب في وصف الايام : كانت (الأيام) طرازًا فريدًا من السيرة التي تستجلي بها الأنا حياتها في الماضي لتستقطر منها ما تقاوم به تحديات الحاضر, حالمة بالمستقبل الواعد الذي يخلو من عقبات الماضي وتحديات الحاضر على السواء. والعلاقة بين الماضي المستعاد في هذه السيرة الذاتية والحاضر الذي يحدد اتجاه فعل الاستعادة أشبه بالعلاقة بين الأصل والمرآة, الأصل الذي هو حاضر متوتر يبحث عن توازنه بتذكر ماضيه, فيستدعيه إلى وعي الكتابة كي يتطلع فيه كما تتطلع الذات إلى نفسها في مرآة, باحثة عن لحظة من لحظات اكتمال المعرفية الذاتية التي تستعيد بها توازنها في الحاضر الذي أضرّ بها .. ونتيجة ذلك الغوص عميقًا في ماضي الذات بما يجعل الخاص سبيلا إلى العام, والذاتي طريقًا إلى الإنساني, والمحلي وجهًا آخر من العالمي, فالإبداع الأصيل في (الأيام) ينطوي على معنى الأمثولة الذاتية التي تتحول إلى مثال حي لقدرة الإنسان على صنع المعجزة التي تحرره من قيود الضرورة والتخلف والجهل والظلم, بحثًا عن أفق واعد من الحرية والتقدم والعلم والعدل. وهي القيم التي تجسّدها (الأيام) إبداعًا خالصًا في لغة تتميز بثرائها الأسلوبي النادر الذي جعل منها علامة فريدة من علامات الأدب العربي الحديث.
بعض مؤلفات طه حسين :
ترك طه حسين حين غادر هذه الحياة أكثر من ثلاثمائة وثمانين كتاباً من الكتب القيمة ونذكر لكم بعض مؤلفات طه حسين : الأيام ، الوعد الحق ، المعذبون في الأرض ، في الشعر الجاهلي ، كلمات ، نقد وإصلاح ، من الادب التمثيلي اليوناني ، طه حسين والمغرب العربي ، دعاء الكروان ، حديث الأربعاء ، صوت أبي العلاء ، من بعيد ، على هامش السيرة ، في الصيف ، ذكرى أبي العلاء ، فلسفة ابن خلدون الاجتماعية ، الديمقراطية في الإسلام
البطاقة الشخصية
الاسم: نزار توفيق قباني
تاريخ الميلاد: 21 مارس 1923
محل الميلاد: حي مئذنة الشحم .. أحد أحياء دمشق القديمة.
الأسرة:
أسرة قباني من الأسر الدمشقية العريقة. و من أبرز أفرادها أبو خليل القباني، مؤسس المسرح العربي في القرن الماضي، وجدّ نزار .. أما والده توفيق قباني فتقول كتب التاريخ إنه كان من رجالات الثورة السورية الأماجد، وكان من ميسوري الحال يعمل في التجارة وله محل معروف، وكان نزار يساعده في عملية البيع عندما كان في صباه. أنجب توفيق قباني ستة أبناء .. نزار، رشيد، هدباء، معتز، صباح ووصال التي ماتت في ريعان شبابها أما صباح فهو ما زال حياً .. وكان يشغل منصب مدير الإذاعة السورية.
المؤهلات الدراسية والمناصب
- حصل على البكالوريا من مدرسة الكلية العلمية الوطنية بدمشق، ثم التحق بكلية الحقوق بالجامعة السورية وتخرّج فيها عام 1945.
- عمل فور تخرجه ب السلك الدبلوماسي بوزارة الخارجية السورية، وتنقل في سفاراتها بين مدن عديدة، خاصة القاهرة ولندن وبيروت ومدريد، وبعد إتمام الوحدة بين مصر وسوريا عام 1959، تم تعيينه سكرتيراً ثانياً للجمهورية المتحدة في سفارتها بالصين.
- وظل نزار متمسكاً بعمله الدبلوماسي حتى استقال منه عام 1966.
- كان يتقن اللغة الإنجليزية، خاصة وأنه تعلّم تلك اللغة على أصولها، عندما عمل سفيراً لسوريا في لندن بين عامي 1952-1955.
الحالة الاجتماعية
تزوّج مرتين .. الأولى من سورية تُدعى زهرة وأنجب منها هدباء وتوفيق وزهراء. وقد توفي توفيق بمرض القلب وعمره 17 سنة، وكان طالباً بكلية الطب جامعة القاهرة .. و رثاه نزار بقصيدة شهيرة عنوانها الأمير الخرافي توفيق قباني وأوصى نزار بأن يدفن بجواره بعد موته. وأما ابنته هدباء فهي متزوجة الآن من طبيب في إحدى بلدان الخليج. والمرة الثانية من بلقيس الراوي، العراقية التي قُتلت في انفجار السفارة العراقية ببيروت عام 1982، وترك رحيلها أثراً نفسياً سيئاً عند نزار ورثاها بقصيدة شهيرة تحمل اسمها، حمّل الوطن العربي كله مسؤولية قتلها. ولنزار من بلقيس ولد اسمه عُمر وبنت اسمها زينب. وبعد وفاة بلقيس رفض نزار أن يتزوج. وعاش سنوات حياته الأخيرة في شقة بالعاصمة الإنجليزية وحيداً.
قصته مع الشعر
- بدأ نزار يكتب الشعر وعمره 16 سنة، و أصدر أول دواوينه قالت لي السمراء عام 1944 وكان طالبا بكلية الحقوق، وطبعه على نفقته الخاصة.
- له عدد كبير من دواوين الشعر، تصل إلى 35 ديواناً، كتبها على مدار ما يزيد على نصف قرن أهمها طفولة نهد، الرسم بالكلمات، قصائد، سامبا، أنت لي.
- لنزار عدد كبير من الكتب النثرية. أهمها: قصتي مع الشعر، ما هو الشعر، 100 رسالة حب.
- أسس دار نشر لأعماله في بيروت تحمل اسم منشورات نزار قباني.
أمير الشعر الغنائي
على مدى 40 عاماً كان المطربون الكبار يتسابقون للحصول على قصائد نزار.
صدمات ومعارك
كانت حياة نزار مليئة بالصدمات و المعارك ، أما الصدمات فأهمها:
- وفاة شقيقته الصغرى وصال، وهي ما زالت في ريعان شبابها بمرض القلب.
- وفاة أمه التي كان يعشقها .. كان هو طفلها المدلّل وكانت هي كل النساء عنده.
- وفاة ابنه توفيق من زوجته الأولى .. كان طالباً في كلية الطب بجامعة القاهرة و أصيب بمرض القلب وسافر به والده إلى لندن وطاف به أكبر المستشفيات وأشهر العيادات ولكن قضاء الله نفذ وكان توفيق لم يتجاوز 17 عاماً.
- مقتل زوجته بلقيس الراوي العراقية في حادث انفجار السفارة العراقية ببيروت عام 1982.
- نكسة 1967 أحدثت شرخاً في نفسه، وكانت حداً فاصلاً في حياته، جعله يخرج من مخدع المرأة إلى ميدان السياسة.
أما عن المعارك فيمكننا أن نقول إنه منذ دخل نزار مملكة الشعر بديوانه الأول قالت لي السمراء عام 1944، وحياته أصبحت معركة دائمة. ومن أبرز المعارك التي خاضها وبمعنى أصح الحملات التي شنها المعارضون ضده:
- معركة قصيدة خبز وحشيش وقمر التي أثارت رجال الدين في سوريا ضده، و طالبوا بطرده من السلك الدبلوماسي، وانتقلت المعركة إلى البرلمان السوري وكان أول شاعر تناقش قصائده في البرلمان.
- معركة هوامش على دفتر النكسة، فقد أثارت القصيدة عاصفة شديدة في العالم العربي، وأحدثت جدلاً كبيراً بين المثقفين ولعنف القصيدة صدر قرار بمنع إذاعة أغاني نزار وأشعاره في الإذاعة والتلفزيون.
آخر العمر
- بعد مقتل بلقيس ترك نزار بيروت وتنقل في باريس وجنيف حتى استقر به المقام في لندن التي قضى بها الأعوام الخمسة عشر الأخيرة من حياته.
- ومن لندن كان نزار يكتب أشعاره ويثير المعارك والجدل خاصة قصائده السياسية خلال فترة التسعينات مثل: متى يعلنون وفاة العرب، والمهرولون، والمتنبي، وأم كلثوم على قائمة التطبيع.
- وافته المنية في لندن يوم 30/4/1998 عن عمر يناهز 75 عاما كان منها 50 عاماً بين الفن والحب و الغضب.
إميلي ابي راشد نصر الله روائية وقاصة مبدعة وكاتبة للأطفال وسير الرائدات من النساء في العالم، وصحفية لبنانية، نالت اعمالها الادبية شهرة واسعة، ولا سيما رواياتها «طيور ايلول» و«شجرة الدفلى» و«الاقلاع عكس الزمن»و «الرهينة»و«الجمر الغافي«و»تلك الذكريات»...
ولدت في السادس من تموز عام 1931 في قرية «الكفير» بقضاء حاصبيا (جنوب لبنان)، وتعلمت في مدرسة الكفير، الرسمية حتى الصف الثالث الابتدائي، وأعادت هذا الصف مرات لأنه لم يكن في المدرسة صف أعلى منه، ثم تابعت دراستها في الكلية الوطنية المتوسطة والثانوية في الشويفات فكلية بيروت الجامعية، فالجامعة الامريكية في بيروت التي نالت منها شهادة البكالوريوس في الآداب العربية .
عملت إبان دراستها الجامعية معلمة في المدرسة الاهلية التي كانت تديرها المربية «وداد المقدسي قرطاس» لقاء سكنها وطعامها، ومحررة في الوقت نفسه بمجلة «صوت المرأة» التي كانت ترأس تحريرها الاديبة ادفيك جريديني شيبوب، الى ان انضمت الى اسرة تحرير مجلة «الصياد» عام 1955، فتركت التعليم عام 1957، وانصرفت كلياً الى العمل في دار الصياد حتى عام 1970 حين لم تعد قادرة على توزيع وقتها بين عائلتها والتأليف الادبي والصحافة.
<<<
كان من الاشخاص الذين تركوا اثراً في حياتها الفكرية والعاطفية، جدتها لأمها «روجينا ابو نصر» لما اغدقته عليها من العطف والحنان، و كانت اول استاذة ذاقت على يديها طعم القصص وسحر الحكايات ، واستاذها في مدرسة الشويفات «نسيم نصر» الذي قوّم عبارتها، ورعاها طوال اربع سنوات بكثير من الاخلاص والحزم والتشجيع، و«سعيد فريحة» 1905- 1978 الذي اتاح لها فرصة العمل في مجلة الصياد حين كانت لا تزال طالبة في الجامعة الامريكية، وزوجها المهندس «فيليب نصر الله» الذي شكل زواجها منه منعطفاً هاماً في حياتها الفكرية والادبية، فحررها بحبه وتحرره من كثير من العقد والترسبات، وجعلها تستمر في صعود السلم ، باحترامه للأنوثة في شخصيتها.
وكان من المؤثرات الهامة في حياتها وادبها ايضاً هجرة إخوتها، وهم في مطلع الشباب الى كندا ، فقد حركت هذه الهجرة قلبها، وجعلتها تكتب روايتها الاولى «طيور ايلول» التي فازت بجائزة جمعية اصدقاء الكتاب عام 1962، وجائزة «سعيد عقل» الشهرية، وروايتها « الاقلاع عكس الزمن» ورحلاتها الى الخارج التي ساعدتها على فهم العالم الخارجي، وعلى فهم نفسها وتقدير وطنها وإنسان بلادها، وموقع حضارتنا بين حضارات الامم، والحرب اللبنانية التي كان لها اثر سلبي وايجابي في آن واحد، وقد ظهر اثر هذه الحرب في روايتها «تلك الذكريات»..وأخيراً التمييز بين الذكور والإناث الذي عاشته في قريتها«الكفير» وظل يطالعها ويتحداها مع كل خطوة خطتها في الحياة، والايمان الذي عادت الى منابعه العميقة والاصيلة بعد رحلات في عالم الضياع.
كان محتماً على الاديبة اميلي نصرالله ان لا تعبر الا عن طريق الكتابة، فقد نشأت كما ذكرنا في قرية محافظة محدودة الامكانات، حتى الكلام العادي لم يكن مباحاً في معظم الاوقات، فالمجتمع التقليدي لا يحترم الطفل ولا يصغي اليه، مما كان يدعوه الى البحث عن منافذ يعبر فيها عن مشاعره...
لم تكن في القرية فنون كالرسم او الموسيقا لتعبر بها.. كانت الكتابة في العزلة بعيداً عن اعين الرقباء هي الملجأ، وقد اكتشفت الكتابة في سن مبكرة ، وكان اول رواية كتبتها ولم تنشرها تتحدث عن انسان يعيش في عزلة بعيداً عن اي انسان يمكن ان يفهمه...
آثارها الادبية
ا- الروايات:
طيور ايلول 1962- شجرة الدفلى1968- الرهبنة1974 - تلك الذكريات1980- الاقلاع عكس الزمن 1981- الجمر الغافي 1995.
ب- القصص القصيرة:
جزيرة الوهم 1973- الينبوع 1978- المرأة في 17 قصة 1983- الطاحونة الضائعة 1984- خبزنا اليومي 1990- محطات الرحيل 1996- الليالي الغجرية 1998- اسود وابيض 2001.
ج- أدب الاطفال والفتيان:
الباهرة 1975- شادي الصغير 1977- يوميات هر 1997- روت لي الايام 1997- على بساط الثلج2000 - اوراق منسية2001- أندا الخوتا 2001
د- أدب السيرة:
في البال (سيرة ذاتية) 2000 - نساء رائدات من الشرق والغرب (ستة أجزاء) من عام 1987 حتى عام 2001
<<<
لقد ترجم العديد من اعمال اميلي نصر الله الى الانكليزية والالمانية والدانماركية والهولندية والايطالية ونالت جائزة اصدقاء الكتاب ، وجائزة سعيد عقل وجائزة مجلة فيروز، وجائزة جبران العالمية من رابطة التراث العربي في استراليا، كما قررت جامعة القديس يوسف في بيروت ان تكون مؤلفاتها مادة الزامية لشهادات الماجستير والدكتوراه.
نظرة في آثارها الادبية
من المتفق عليه ان إميلي نصرالله حافظت على اخلاصها للقرية اللبنانية، فاختارت لـ«رانية» بطلة روايتها «الرهينة» القرية منبتاً ومنشأ، وعرفت كيف تتجاوز الهموم الريفية المحلية لتعالج مشكلة استلاب المرأة الشرقية، والقيود الظاهرة والخفية التي تكبلها وتحول دون تحقيق ذاتها، و«رانية» على سبيل المثال نزحت الى بيروت لمتابعة دراستها الجامعية، حاملة الى الجو الجامعي المنفتح والمتطور اجمل ما في الريف من ذكاء فطري وعفوية صادقة، ورفض للزيف والنفاق واقبح ما فيه من صور التخلف، مثل خطبتها وهي لا تزال صغيرة لـ«نمرود» وهو رجل كبير في سن والدها، وحيرتها هل تعود اليه بعد حصولها على شهادتها الجامعية، فتمحو بقرار «قدري» كل ما اكتسبته من علم ومعرفة وثقافة وتجربة، او تتمرد على المصير الذي فرض عليها ، فتبني حياة جديدة مع الشاب الجامعي الذي احبته واحبها؟!.
وتنتهي الرواية بعودة بطلتها الى القرية ، وهي توشك ان تنهار ولو ترك لها المجال وحرية الرأي والتصرف لاختارت فتى احلامها من الوسط الجامعي الذي عاشت فيه اجمل ايام عمرها.
لقد كان جو القرية بعاداتها وتقاليدها الصارمة مسيطراً على معظم - إن لم نقل كل- روايات الاديبة اميلي نصرالله، فهي وإن خرجت منها الى المدينة بالجسم، إلا انها لم تخرج بالروح والعواطف والاحاسيس، وقد اعترفت هي بذلك في جوابها على سؤال الآنسة «رينه عبودي» بقولها:«سهل ان تخرج الفتاة من القرية، لكن من الصعب ان تخرج القرية من الفتاة... حتى حين احدث اولادي أراني استعير أقوال وأمثال القرية، وأولادي الذين تربوا في المدينة لايمكنهم ان يقدروا او يفهموا تلك العبر والامثال خاصة حين تكون التشابيه مستمدة من حياة الحيوان او الطبيعة التي هي بعيدة عن مدار خبرتهم... غير ان ذلك لايمنع من انني منفتحة على كل جديد ومفيد يمكن ان تقدمه لي حياة المدينة...».
واعترفت لها ايضاً بأنها كانت متأثرة الى حد بعيد بقصص جدتها لأمها «روجينا ابو نصر» التي كانت الموجه الاول في قيادة خطواتها، دون ان تعي ، الى عالم القصة والرواية .
كما اعترفت للشاعر «يونس الابن» في الحوار الذي اجراه معها ، ونشر في جريدة الانوار اللبنانية بتاريخ 14 شباط 1982 بأن قصصها ورواياتها «متجذرة» في تربة غذتها واعطتها الكثير، وهي ملونة بلون هذه التربة متأثرة بلغة اناسها ، تتعاطف معهم او تنتقدهم، ولكنها دائماً تنطلق منهم وتصب في مجرى حياتهم ....
كما ان هاجس الهجرة والاغتراب يسيطر على قصصها ورواياتها ، منذ كتابة روايتها الاولى «طيور أيلول» التي صدرت عام 1962، ويدفعها الى اقتفاء سير« الطيور المهاجرة» وسرد حكاياتها لا في القرية الحزينة - كما تقول - بل في مطارح الاقامة، وكذلك هاجس تحرير المرأة في بيئة شديدة المحافظة ، تضيق عليها الخناق، وتسد منافذ الهواء وتعيق مسيرتها فلا تمنحها فرصة تحقيق ذاتها... وفي هذا الاطار دارت احداث روايتيها «شجرة الدفلى» و« الراهبة»... اما في روايتها « تلك الذكريات » فإن المرأة تحقق بعض طموحها، الا انها لم تعد هي نقطة الارتكاز بل الحالة الاجتماعية عامة، وحالة الحرب بصورة خاصة.
<<<
ان اميلي نصرالله هي شاعرة القرية بلا منازع- كما يقول عفيف فراج- هي العيون التي تحب الريف بكل جزئياته، وتؤلمها مشكلة الهجرة منه، مشكلة القرية التي تصد ابناءها عن صدرها، وعبثاً يحاولون التشبث بها او الانتماء الى غيرها من مدن لا يزورها النقاء... هناك تداخل روحي بينها وبين القرية ، يدفعها لأن تحمل هموم ابنائها الذين يضطرهم الفقر واليأس والاحباط الى الهجرة بحثاً عن غد افضل، ومستقبل اكثر رغداً وطمأنينة.
ملامح القرية واضحة تماماً في رواياتها، كاستخدامها اللهجة العامية، لتنقل لنا بدقة وعفوية احاديث السهرات والجلسات القروية ولاسيما في ايام الشتاء الباردة، حيث الاعمال متوقفة والفراغ كثير...
الرواية عندها منطلق لعرض المشكلات الكثيرة التي تعاني منها القرية، فمن القرية وعاداتها وتقاليدها المتحجرة تبدأ رحلتها الروائية في «طيور ايلول» وتتابعها في «شجرة الدفلى» و«الرهينة» ثم تطل من هذه الثلاثية على الوان من حياة المدينة، فتأتي روايتها « تلك الذكريات» لتطرح المرأة بشكل آخر...إنها قضية المرأة في المدينة، المرأة التي تشارك في انطلاقات التحرر فتتقدم التظاهرات الطلابية، وتناقش وتحاور الرفاق في الجامعة، لأنها تريد ان تشارك في الحياة العامة...
وتواصل طرح جوانب أخرى من المشكلات في روايتها «الاقلاع عكس الزمن» مشكلات الانسان الساعي الى حياة افضل بقلق وخوف ومغامرة مستمرة لا تتوقف ...«ماذا تفيد شهادة البكالوريا في بستان الزيتون او كرم العنب، بل ماذا تفيد هذه الشهادة مجتمع الجورة الباقي على حاله منذ عشرات السنين ؟».
وتقف اخيراً في روايتها امام مشكلة الهجرة التي بدت لها كأنها غول شره يلتهم شباب القرية خاصة والوطن عامة واحداً بعد الآخر، يرحلون ولا يعودون، واذا عاد بعضهم فلكي يختار عروساً بعمر الورد يشتريها بأمواله الوفيرة التي اكتنزها في مهجره بشق النفس وعرق الجبين، وقد جفت نضارته وذوى شبابه... وتضطر الفتاة المسكينة الى القبول به على مضض، خوفاً من العنوسة التي تلوح لها، وستؤول اليها في نهاية المطاف .
<<<
لقد كتب الكثير الكثير عن اميلي نصرالله ، واتخذت رواياتها موضوعات لأربع اطروحات جامعية للدكتوراه منذ ان بدأت رحلتها الادبية عامة 1962 وسأكتفي هنا بنقل فقرات مما كتبه كل من سعيد فريحة وميخائيل نعيمة، والدكتور ميشال عاصي وامينة السعيد، والدكتورة سهير القلماوي ...
يقول سعيد فريحة مؤسس وصاحب دار الصياد الذي اكتشف مواهبها وشجعها... على المضي في طريق الادب:«.. تعتبر اميلي نصرالله مثلنا جميعاً في اناقة الكلمة ونظافة القلم، وسمو الهدف... وإنها مثال المرأة اللبنانية في الوفاء لبيتها واسرتها وعملها الصحفي....».
ويقول ميخائيل نعيمة:« كتابك «طيور ايلول» معرض فني للقرية اللبنانية في شتى مظاهرها، ولولا ان ترابك من تراب القرية، ثم لولا انك تملكين قسطاً كبيراً من رهافة الحس وسلامة الذوق، ودقة الملاحظة، وعمق الشعور بالقيم الكلامية والانسانية والجمالية لما تأتّى لك ان تصوري القرية ذلك التصوير البديع».
ويقول الدكتور ميشال عاصي:«هي في الادب قاصة وروائية بارعة لا تجيد فقط حبك الحوادث بمهارة ولا تحسن تصوير النفسيات وخلق نماذج الاشخاص بدقة ، فحسب بل انها تعرف كيف تبني ذلك كله على اساس عمق فلسفي وعلاقة واقعية تربط انماطاً معينة من الوقائع والناس بالمحيط الاجتماعي والحركة التي تندفع فيها حياة الناس والاشياء في هذا المحيط».
وتقول امينة السعيد على غلاف الطبعة الثامنة من رواية «طيور ايلول»: « انها قصة الشباب بطموحه وآماله، والشيخوخة برضاها واستسلامها...موطن الجمال في طيور ايلول انها ارتفعت عن السقوط في التقليد الاعمى»
وتقول الدكتورة سهير القلماوي، على الغلاف نفسه: « الوان في يد فنان عرف كيف يمزج بينها، وينقي ويضيء ويظلل ليخرج الصورة في أليق اطار».
المصادر والمراجع:
1- روبرت كامبل - اعلام الادب العربي المعاصر (سير وسير ذاتية) مركز الدراسات للعالم العربي المعاصر - جامعة القديس يوسف- بيروت 1996.
2- ناديا الجردي نويهض- نساء من بلادي - المؤسسة العربية للدراسات والنشر - بيروت 1986
3- د. منصور عيد- قضايا انسانية في روايات اميلي نصرالله- دار الفكر اللبناني - بيروت 1995
4- عفيف فراج- الحرية في ادب المرأة - دار الفارابي - بيروت 1975
5- د. وليم الخازن - كتب وأدباء- المكتبة العصرية- صيدا بيروت 1970
6- رينه عبودي - مقابلة مع اميلي نصرالله- مجلة الموقف الادبي - السنة الثالثة العدد 12( نيسان) 1974.
7- منى الدروبي - اميلي نصرالله رائدة تكتب عن الرائدات - مجلة نصف الدنيا العدد رقم 645 تاريخ 23/6/2002
I) Picasso
Pablo Picasso (1881-1973), était un peintre et sculpteur espagnol. Il est généralement considéré comme le plus grand artiste du XXè siècle, en raison de son innovation dans les styles et les techniques. Il a notamment été le créateur - associé à Braque - du cubisme (voir II). Il a expérimenté de nombreux types de peintures, de collages, mais aussi des sculptures (papier cartonné, métal, bois, ...)
a) Biographie
Pablo Picasso est né le 25 octobre 1881 à Malaga (Espagne). Fils de José Ruiz Blasco (peintre et professeur de dessin) et de Maria Picasso y Lopez, il aura deux soeurs : Lola et Conchita. Conchita mourra très jeune, en 1891.
En octobre 1892, Picasso, 11 ans, est admis à l'Ecole des Beaux-arts de La Corogne.
En 1894, ses premiers dessins seront publiés dans des journaux locaux. Il dessine le premier portrait de ses parents.
En 1895, Picasso visite le musée Prado, à Madrid. Il sera admis cette même année à l'école des Beaux-arts La Longa, à Barcelone.
En 1897, il reçoit la médaille d'or à l'exposition des Beaux-arts de Malaga. Admis à l'Académie royale San Fernando de Madrid, il n'en suivra pas les cours.
En 1900, il effectue son premier séjour à Paris, d'octobre à décembre, chez le peintre Isidro Nonell.
En 1901, il retourne à Paris pour six mois, où il rencontrera le peintre Max Jacob. Cette même année, le peintre Casagemas se suicide ; Picasso peindra son enterrement.
Ici commence la Période Bleue. Elle est expliquée en détail dans le II.
En 1902, Picasso, très pauvre, effectue son troisième voyage à Paris.
En avril 1904, il s'installe à Paris, où il rencontrera André Salomon, Guillaume Apollinaire et Fernande Olivier, qui devient sa compagne l'année suivante. Il effectue un voyage en Hollande.
En 1905 commence la Période Rose, qui est expliquée en détail dans le II. Cette période dure un an. Cette même année il rencontre Gertrude et Léo Stein.
En 1906 Picasso effectue un séjour à Goscol, en Espagne. Cette année est marquée par la mort de Paul Cézanne, illustre peintre impressionniste qui inspira le cubisme.
En 1907, Picasso peint les Demoiselles d'Avignon. Il se lie d'amitié avec Georges Braque, et de leur travail commun naîtra le cubisme.
Picasso subit l'influence de Cézanne en 1908 dans ses oeuvres.
Picasso passe l'été 1911 chez le sculpteur Manolo avec Braque et Fernande.
Il rompt en 1912 avec Fernande Olivier ; il vit désormais avec Marcelle Humbert. Il travaille en étroit rapport avec Braque, sur des collages et papiers collés. Naît un premier tableau en relief : un instrument de musique.
En 1915 son amie Marcelle Humbert décède. Pablo est désespéré.
En 1917 il voyage avec Jean Cocteau. Il épouse Olga Koklova.
L'année 1918 est marquée par la mort du peintre Guillaume Apollinaire.
En 1919 il rencontre le peintre Joan Miró.
De son union avec Olga, naît en 1921 son fils Paulo.
En 1931, il crée de grandes sculptures, d'après Marie-Thérèse Walter, qui est en fait sa maîtresse depuis 1927.
Picasso rompt avec Olga en 1935. Sabartés, un ami d'enfance, devient son secrétaire et habite avec lui.
Il est nommé en 1936 directeur du musée du Prado par le gouvernement républicain (guerre civile en Espagne).
Guernica est, en 1937, rayée de la carte par les Allemands. Cela fera un sujet de tableau : il peint le célèbre Guernica, qui sera peu apprécié par les Allemands.
Picasso s'installe à Royan lorsque sa mère meurt, en 1939.
En août 1940, il retourne habiter à Paris, dans son atelier qu'il avait avant de quitter la ville.
Il rencontre Françoise Gillot en 1943, qui sera sa compagne pour une dizaine d'années. Il crée la sculpture l'Homme au mouton.
En 1944, il fait une représentation privée de sa pièce le Désir attrapé par la queue. Il adhère au Parti Communiste français, avec Paul Eluard.
Il peint les Premières céramiques à Vallanis en 1947.
Il peint également, en 1953, un portrait d'hommage à Staline.
En 1954, il rencontre Jacqueline Roque, qui deviendra son épouse en 1955 après la mort d'Olga (Pablo et Olga étaient encore mariés officiellement).
En 1960, Picasso peint le cycle les Déjeuners d'après le Déjeuner sur l'herbe de Manet.
Il s'installe à Mougins en 1961, où il mourra le 8 avril 1973. Il sera enterré à Vauvenargues.
b) Les périodes bleues et roses.
La période Bleue s'est étalée de 1900 à 1904. Picasso a effectué deux voyages à Paris entre 1900 et 1902, et s'y est établi en 1904. Il s'inspire des bas-fonds de Toulouse-Lautrec, qui sont pour lui misère et mélancolie, représentant ainsi le mal qui père sur le genre humain. Ainsi cette période correspond à un Picasso très pauvre et très soucieux et triste (notamment en raison du suicide de son ami le peintre Casagemas).
Le bleu, ajouté aux visages émaciés et aux figures allongées, donne une note pathétique à ses oeuvres. Il a peint durant cette période des scènes de Paris sous son plus mauvais jour : des mendiants, des bohémiens, et des prostituées, sont les thèmes de ses oeuvres. La misère de ces personnages est encore accentuée par Picasso, qui utilise un bleu sombre et triste.
Ex : la Grande chambre bleue, 1901
En 1904, Picasso se fait de nouveaux amis, Apollinaire et Salomon, qui lui apportent un soutien moral important. De plus, il rencontre Fernande Olivier, qui sera sa première compagne à influencer le style, le thème et l'humeur de son oeuvre. Picasso s'égaye alors, cesse de peindre la misère, en bleu, et voit la vie sous un jour beaucoup plus agréable. C'est la période rose, qui durera deux ans (1905 et 1906).
Pendant cette période, Picasso utilise une palette de roses et de rouges, couleurs beaucoup plus vives et gaies. Il peint des Saltimbanques, des acrobates, des arlequins...
Ex : les Saltimbanques, 1905
II) Le cubisme
a) Définition et approche.
Le cubisme est un courant artistique, né d'une étroite collaboration entre Picasso et Braque, inspiré par Cézanne. Il verra le jour en 1907, mais ne prendra son nom qu'en 1908, appelé ainsi par le journaliste Louis Vauxcelles lors du compte rendu d'une exposition d'oeuvres de Braque.
C'est un nouveau style de peinture, qui n'a pas pour but de représenter fidèlement la réalité « telle qu'elle apparaît », mais de lui trouver une interprétation géométrique et picturale.
Picasso se servira du cubisme pour représenter ses sentiments, et ses opinions, notamment sur la guerre avec Guernica, tableau pour lequel il déclarera :
«La peinture n'est pas faite pour décorer les appartements. C'est un instrument de guerre, offensif et défensif, contre l'ennemi.!»
ex: Guernica, 1937
b) Les différents types de cubisme de Picasso et Braque.
Il existe deux types de cubisme : le cubisme analytique et le cubisme synthétique.
En 1909, Braque et Picasso sont menés par leurs recherches au cubisme appelé analytique. La forme originale de l'objet représenté est disloquée autour de « lignes de fractures », dont la grille irrégulière, superposée au motif, rend les portraits et natures mortes de plus en plus difficiles à lire et à décrypter. Il ne reste alors que quelques fragments du motif d'origine, éparpillés sur la surface de l'oeuvre, qui donnent souvent l'impression d'une représentation de multiples points de vue de l'objet. Après 1911, la couleur est de moins en moins présente dans les tableaux de Braque et de Picasso, qui deviennent grisailles géométriques, et remplacée par une lumière puissante qui permet de distinguer les plans et surfaces entremêlés. Les deux peintres frôlent pendant cette période l'abstraction la plus complète.
En 1912, les deux cubistes ressentent le besoin de renouer avec la réalité. Braque crée alors les « sculptures-constructions cubistes », et Picasso incorpore à ses tableaux de véritables morceaux des objets qu'il représente (ex : il incorpore un véritable morceau de toile cirée dans sa Nature morte à la chaise cannée, 1912). Ce nouveau type de cubisme s'appelle le cubisme synthétique. A présent les oeuvres des deux artistes prennent une troisième dimension : le relief. En effet, le collage de papier journal, de copeaux de bois, et les nouvelles sculptures apportent une profondeur réelle aux créations. Dans le cubisme synthétique, la couleur a été réintroduite, et devient indépendante de la forme. Les plans deviennent moins nombreux, les structures deviennent plus lisibles.
Tête de Femme (buste en bronze de Fernande Olivier)
Documentation :
- Encyclopédie virtuelle Encarta 1999.
- Picasso, ed. Hachette Littérature
III) Le musée Picasso, ce que j'en pense...
Le musée Picasso, inauguré en octobre 1985, est installé dans l'hôtel Salé à Paris. Ce musée est entièrement consacré aux oeuvres de Pablo Picasso.
Nous avons visité ce musée en octobre 2000. J'ai beaucoup apprécié les oeuvres de ce musée, autant les peintures que les sculptures, et j'ai trouvé le cadre de l'hôtel Salé très agréable. J'ai particulièrement aimé les oeuvres faites de papier collé et de copeaux de bois, qui sont sur un support plat, mais tout de même en relief. Cependant j'ai moins aimé la conférence qui se tenait tout au long de la visite, et plus exactement la conférencière : elle parlait avec un accent anglais très fort qui rendait ses paroles inintelligibles, et tellement bas qu'il fallait se tenir tout près d'elle pour pouvoir l'entendre. Peut-être qu'une conférencière plus compréhensible aurait rendu les oeuvres de Picasso encore plus intéressantes, et peut-être aurions-nous mieux apprécié le sens de certaines de ses créations.
L'histoire
La White Star Line
À cette époque, la White Star Line est une des plus importantes compagnies maritimes. Fondée au 19e siècle par Thomas Ismay, cette entreprise britannique appartient depuis le début du 20e siècle à des Américains. En effet, en 1904, Joseph Bruce Ismay, le fils aîné du fondateur - qui avait repris les rênes à la mort de son père - vend la compagnie à l'International Mercantile Maritime, un trust américain regroupant plusieurs sociétés. Ce trust appartient en grande partie au financier J. Pierpont Morgan. Fort de ce nouveau soutien financier, Bruce Ismay, qui demeure directeur de la White Star Line, compte bien résister à ses concurrents et gagner la bataille de l'Atlantique.
En 1907, à l'occasion d'un dîner en compagnie de Lord James Pirrie (patron de la Harland & Wolff), il projette donc de mettre en service, entre 1911 et 1914, trois super paquebots: l'Olimpic, le Titanic et le Gigantic. Le 31 juillet 1908, le projet est approuvé et une entente est signée avec le constructeur.
Comme par le passé, la construction des trois paquebots de la White Star Line est confiée à la Harland & Wolff de Queen Island, près de Belfast, en Irlande du Nord. Fondée en 1847, cette entreprise, qui emploie plus de 14,000 personnes et qui peut fabriquer huit navires à la fois, est le plus grand chantier naval du monde. Les plans des trois paquebots sont dessinés par son équipe d'ingénieurs, dirigée par Thomas Andrews.
Un chantier grandiose
C'est le 31 mars 1909 que débute la construction du Titanic. Juste à côté l'Olympic est déjà en chantier depuis trois mois. Deux ans plus tard, soit le 31 mai 1911, la coque du Titanic étant terminée, on met le navire à flot. Pour lui permettre de mieux glisser vers l'eau, on enduit sa coque de 20 tonnes de savon et de suif. Cinq remorqueurs le tirent et le stationnent le long d'un quai.
Cependant, le navire est loin d'être fini; Plusieurs mois de travail sont encore nécessaires pour installer les équipements intérieurs.
Le 18 septembre 1911, la White Star Line annonce que le voyage inaugural débutera officiellement le 20 mars 1912, mais un imprévu l'oblige à repousser la date du départ.
En effet, l'Olympic, qui est en service depuis 1910, est entré en collision avec un autre bateau, le croiseur Hawke, et doit donc être réparé. Deux mois plus tard, il reprend la mer, alors que l'on s'affaire à mettre la touche finale au Titanic. La construction du transatlantique se termine donc le 31 mars 1912. Les premiers essais se déroulent au début d'avril. Une fois les tests effectués, le Titanic prend la route de Southampton afin d'entreprendre son voyage inaugural.
Un navire dit insubmersible
Avec sa double coque en plaque d'acier rivetées et ses 16 compartiments séparés par 15 cloisons étanches, le Titanic offrait une sécurité maximale. Si jamais un des compartiments était touché, on pouvait fermer les cloisons depuis la passerelle à l'aide d'une commande électrique.
En cas d'entrée d'eau massive , on pouvait également les fermer manuellement ou automatiquement par l'intermédiaire de flotteurs de sécurité.
Malheureusement, les cloisons étanches ne montaient pas au dessus du pont E. De plus, elles ne protégaient le navire qu'en cas d'inondation de 1, 2, voire 3 compartiments.
Lors du naufrage, 5 compartiments furent inondés, ce qui a fait monter le niveau au dessus du pont E. Au final, les cloisons étanches n'auront pas permis de garder le navire à flot.
Le transatlantique était aussi muni de huit pompes offrant une capacité d'évacuation de 400 tonnes d'eau à l'heure. Avec un tel système, le Titanic était pratiquement insubmersible. Deux compartiments pouvaient en effet être inondés sans que le navire soit en danger, les autres assurant sa flottabilité.
En outre, le Titanic était doté d'un système de navigation à la fine pointe de la technologie, pour l'époque. Ses dimensions colossales le mettaient également à l'abris des tempêtes les plus violentes. Le paquebot disposait aussi de détecteurs de fumée dans les endroits névralgiques. La sonnerie d'alarme assurait une intervention rapide des employés en cas d'incendie. pour clore le tout, un appareil de détection acoustique permettait de repérer des obstacles immergés. Pas étonnant qu'en 1912 le Titanic ait été en quelque sorte considéré comme un chef-d'ouvre de l'architecture navale!
Des innovations remarquables
D'autres innovations techniques faisait du Titanic une véritable réussite. Contrairement aux autres paquebots, il disposait de deux machines à vapeur classiques de 15,000 chevaux et d'une turbine à basse pression de 16,000 chevaux.
La puissance totale transmissible aux hélices était de 46,000 chevaux. La vapeur était produite par 29 chaudières et 159 foyers.
L'énergie électrique, qui était nécessaire à l'éclairage (10,000 ampoules) des lieux et au fonctionnement des divers appareils (pour la cuisson, le chauffage, la réfrigération et l'aération), était assurée par quatre dynamos d'une puissance de 400 kilowatts.
Le Titanic disposait aussi d'un système téléphonique très avant-gardiste pour l'époque. Il s'agissait d'une installation double composée d'un central réservé à la navigation et d'un système interne.
Le premier reliait entre eux la passerelle de commandement, la plage avant, le nid-de-pie, la salle des machines et le compartiment arrière. Le second, d'une capacité de 50 lignes, permettait aux clients occupant les cabines de luxe de communiquer avec les différents services (bar, restaurant, etc.).
Le Titanic possédait de plus une installation T. S. F. (téléphone sans fil) de type Marconi, d'une grande puissance, qui permettait d'émettre et de recevoir des messages télégraphiques.
Le Titanic appareillera le 10 avril 1912 de Southampton au Royaume-Uni pour se rendre à Cherbourg en France et à Queenstown pour prendre des passagers. Il quittera Queenstown le 11 Avril 1912 avant de prendre la mer une dernière fois ....
Un véritable palace flottant
Avec ses 269 mètres, ses 46 328 tonnes, sa technologie et son style le plus moderne faisaient du Titanic le plus gros et le plus luxueux de tous les autres navires. Il était tellement gros que des nouveaux quais ont été édifiés de chaque côté de l'Atlantique pour recevoir l'Olympic, le Britannic et le Titanic en plus d'une cale sèche spéciale pour les constructions. Même le Maurétania et le Lusitania ne lui arrivaient à la cheville. Seul un navire lui ressemblait beaucoup, l'Olympic(C'était son sistership, son navire jumeau.)
De dimensions colossales, le Titanic comprenait huit ponts principaux (le pont bain de soleil, le pont promenade, le pont à verrière, le pont supérieur, le pont salon, le pont principale, le pont central et le pont inférieur). À son bord, on trouvait de luxueuses installations et d'imposants ornements où se mêlaient presque tous les styles européens des XVIIe et XVIIIe siècles.
Les passagers du Titanic étaient divisés en trois classes. La 1ère classe, constituée des personnes les plus riches comme le Colonel John Astor, le collectionneur Georges Widener et les rois des chemins de fer Charles H. Hays et John Thayer qui sont situés entre les ponts A à C, la 2è classe était constituée de riches banquiers et commerçants comme l'historien Lawrence Beesley et le révérant Carter , et la 3è classe, constituée de gens ordinaires était considérée comme les rebuts de la société qui sont situés entre les ponts E et G du navire. On n'aurait donné aucune chance aux 3è classes pour sauver les 1ère et 2è classes.
L'organisation sociale à bord
À bord du Titanic se trouvaient 2200 personnes, incluant l'équipage. Leur répartition sociale représente bien la répartition des richesses qui prévalait en Angleterre de l'époque. Les billets de première classe coûtaient 4000$, ce qui reviendrait à 50000$ aujourd'hui. En troisième classe, ils s'élevaient à 50$, l'équivalent de 625$ actuels.
Ils étaient 325 à prendre place en première classe. On y trouvait M. et Mme Straus, propriétaires des célèbres magasins Macy's de New York, Benjamen Guggenheim, Arthur Ryerson, le Roi de l'acier, et M. et Mme Astor, dont la fortune était évaluée à 100$ millions. On pouvait également y croiser John B. Thayer, surnommé le Roi du chemin de fer. Des aristocrates, comme Sir Cosmo Gordon et son épouse, Lady Duff Gordon, figuraient sur la liste des invités, tout comme Charlotte Cordeza, qui réclamera plus tard pas moins de 177352$ pour la perte de ses valises. Edith Russel, une autre richissime passagère, possédait une seconde cabine, uniquement pour ses vêtements. La légende veut qu'avant de monter dans un canot de sauvetage Mme Russel ait envoyé un garçon de cabine récupérer, au risque de sa vie, un cochonnet de plâtre qui jouait une petite musique lorsqu'on en remontait le mécanisme...
S'il n'y avait que 205 passagers en deuxième classe, la troisième, elle, en accueillait plus de 706. Dans cette section, les hommes étaient regroupés à l'avant du navire et voyageaient à six ou huit par chambre, alors que les femmes dormaient dans une inconfortable promiscuité à l'arrière. La plupart étaient des immigrants russes, suédois, norvégiens, grecs, italiens, français, allemands, syriens. Parmi eux figurait même un Japonais.
Alors qu'un seul enfant voyageant en première classe a péri au cours du naufrage, 49 bambins se trouvant en troisième classe ont perdu la vie. On comprend maintenant pourquoi plusieurs ont surnommé le Titanic le Jouet des riches. Ce véritable château flottant mesurait 291 m de long, 33 m de haut et 31 m de large. Il pesait plus de 46328 tonnes et comptait 10 ponts.
Les cabines de première classe se distinguaient par leur très grand luxe. Les salles à manger pouvaient accueillir jusqu'à 500 personnes.
La piscine creusée était la première du genre sur un navire de croisière. Les concepteurs de l'intérieur des salles de bal s'étaient inspirés du style Louis XV. Avec les dorures, les candélabres, les verreries, les boiseries, le tapis et le whisky, avec les motifs des tapisseries représentant des chérubins effleurant des harpes et des bergers jouant de la flûte, on peut dire que c'est tout ce que l'époque pouvait compter de prétentions qui a coulé avec le Titanic.
Les premières classes
En première classe, chaque cabine était unique. Les passagers de première classe occupaient la partie centrale du navire, au niveau des trois ponts supérieurs, puisque c'est là que les mouvements du bateau étaient le moins intenses. Les plus riches disposaient de luxueuses cabines, pour les quelles ils avaient parfois payé la somme faramineuse de $5,000. Aménagés sur le pont promenade, ces appartements, chacun pourvu de sa promenade privée, offraient une vue directe sur la mer. Avec leur salon, leur salle à manger, leurs chambres, leur salle de bains et leurs toilettes, ces cabines étaient aussi somptueuses que les suites des plus grands hôtels.
Chacune avait sa décoration propre. Certaines disposaient même d'un personnel de service attitré, ou encore, de chambres supplémentaires permettant à leurs hôtes de bénificier, durant la traversée, du service de leur propre femme de chambre ou valet.
Des installations luxueuses
À la mesure des aménagements privés grandioses, on trouvait au centre du navire un grand escalier à double volée avec une rampe en fer forgé et des panneaux de bois sculpté; il reliait le pont promenade au pont supérieur. Trois ascenseurs desservaient aussi les ponts donnant accès aux appartements de première classe. Sur le pont promenade, on trouvait un grand salon, une bibliothèque, un boudoir pour les femmes ainsi qu'un bar encadré de deux verandas, par lesquelles on pouvait accéder à la plage arrière et contempler la mer. Sur le pont à verrière, les passagers de première classe, protégés de la pluie et du vent pas de grandes baies vitrées, pouvaient admirer le soleil couchant.
C'était toutefois sur le pont supérieur que l'on trouvait la pièce la plus impressionnante: la grande salle à manger. Mesurant 55 m sur 28 m, elle pouvait accueillir plus de 500 convives et était dotée d'un équipement complet (fours, rôtisseries, grille-pain, cafetières, etc.). Le soir dans l'éclat des lumières et des robes scintillantes, la salle prenait un aspect féerique.
Comme tous les paquebots, le Titanic disposait de boutiques, d'un salon de coiffure, d'un cabinet médical, d'un orchestre et d'un gymnase. Ce dernier était une des grandes attractions du navire. Les passagers pouvaient y faire de la musculation, de l'aviron, de la bicyclette stationnaire, ou encore, juchés sur des chevaux mécaniques, de "l'équitation". Très populaires, le Café parisien, le court de squash, le bain turc et la piscine de 10 m sur 5 m étaient d'autres importantes installations du Titanic.
Les classes inférieures
La plus part des cabines des passagers de deuxième classe se trouvaient à l'arrière du navire. Elles étaient desservies par un escalier et un ascenseur. Moins luxueuses que celles des premières classe, elles étaient néanmoins très confortables. Ces cabines disposaient de vrais lits, et certaines avaient même leur propre salle de bains. Une salle à manger de 20 m de longueur, une bibliothèque, un vaste salon et un fumoir étaient à la disposition des passagers. L'arrière du pont bain de soleil leur était également réservé.
Quant aux installations de troisième classe, elles étaient nettement supérieures à celles que l'on trouvait habituellement sur les paquebots de l'époque. La White Star avait en effet renoncé à entasser les émigrants dans des dortoirs de 50 personnes. Il y avait bien quelques chambres à 8 ou à 10 couchettes à l'avant du navire, mais la plus part des cabines n'en contenaient qu'entre 2 et 6. Ces cabines étaient situées à l'avant et à l'arrière du paquebot, entre le pont principal et le pont inférieur (c'est à ce dernier niveau que l'on trouvait les soutes à charbon, les chaudières et les moteurs). Les passagers de troisième classe disposaient d'une vaste salle à manger pouvant accueillir 473 personnes, d'une salle de réunion de 100 m², d'un fumoir, d'un pont promenade situé sur la plage arrière du navire et d'un espace ouvert, avec tables et chaises, situé sur le pont salon, à l'avant du paquebot.
Au coeur du navire
L'Olympic et le Titanic étaient divisés en 15 cloisons et 16 compartiments étanches. La fermeture des portes étanches se fait depuis la passerelle, manuellement ou automatiquement par l'intermédiaire de flotteurs de sécurité. On retrouve un double fond dans la partie inférieure de la coque.
Il mesurait 269 mètres de long par 28.5 mètres de large. Sa hauteur, par rapport à la ligne de flottaison, était de 19 mètres de haut au sommet de l'étrave, 22 mètres à la passerelle de navigation, 24 mètres au pont des embarcations, 42 mètres au sommet des cheminées, 30 mètres au nid de pie et de 64 mètres au sommet des deux mâts. La distance entre les deux mâts était de 183 mètres. La hauteur, du fond de la cale à la ligne de flottaison était de 10,5 mètres. Il possédait 4 cheminées rouges avec une manchette noire d'une hauteur de 22 mètres aux ponts des embarcations et de 46 mètres de haut par rapport au plancher des chaufferies. Elles avaient un diamètre de 7,6 mètres. Les trois premières étaient directement reliées aux chaufferies tandis que le 4e servait qu'à l'aération du navire.
Avec ses 6 compartiments de chaufferies, la vapeur étaie produite par 29 chaudières et 159 foyers alimentés par 13000 mètres cubes de charbon entassé dans 6 soutes.
Il était propulsé par deux machines alternatives à vapeur produisant 30000 CV et une turbine basse-pression produisant 16000 CV actionnant 3 hélices à 4 pales de 7 mètres de diamètre pesant en tout 98 tonnes. Ce qui le faisait avancer à une vitesse de croisière de 22 nouds et une vitesse maximale de 26 nouds. Il pouvait déplacer 52250 tonnes comprenant 900 hommes d'équipage, 905 passagers de 1ère classe, 564 passagers de 2e classe et 1134 passagers de 3e classe.
La coque était faite de plaques d'acier rivetées. Une double coque. Elle était peinte en noir pour la partie visible et en rouge pour la partie sous l'eau. La manchette supérieure était blancne avec un liseret jaune.
On y retrouve comme exclusivité pour ces supers-liners une station de T.S.F, un central téléphonique de 50 lignes, 4 ascenseurs et un appareil de détection acoustique d'obstacles immergés
